O duo pop-country que vem sendo a sensação do momento nos Estados Unidos, Sugarland, está no estúdio trabalhando em seu quarto álbum, sem data ainda de lançamento. Isso não seria nada surpreendente, não fossem as declarações da vocalista Jennifer Nettles de que tanto o álbum quanto o tour subseqüente são inspirados pelo movimento SteamPunk!

O título, em princípio, será “The Incredible Machine” (“A Máquina Incrível”, em português), e Nettles espera que os fãs possam ouvir o novo material durante o outono do hemisfério norte (entre setembro e dezembro). Sobre a inspiração no SteamPunk, Nettles foi enigmática, descrevendo apenas como sendo “(…)emocionalmente tal qual bungee jumping e comer bolo de chocolate – aterrorizante e gratificante ao mesmo tempo”. Ah, sim.

No entanto, sobre a música em si Nettles foi um pouco além, garantindo que “não fizemos tendendo muito para baladas, apesar de gostarmos desses momentos tocantes. Os arranjos usam escolhas diferentes de instrumentação. Adorei explorar outras partes da minha voz, mais profundas, ricas, ásperas.” Talvez alguma influência SteamPunk surja aí, uma vez que a cantora chega a questionar “se há um bandolim sequer neste álbum”.

Mas não deixa de ser bem interessante a idéia de um duo pop-country como o Sugarland, que já arrebatou Grammys e totaliza quase 8 milhões de discos vendidos (somando seus três primeiros álbuns), se interessando e enveredando no estilo SteamPunk. Até o momento, os (poucos) artistas relacionados com o gênero são ou extremamente alternativos ou é o genial Tom Waits (que não deixa de ser alternativo). Ver um artista mainstream abraçar essa influência é, ao mesmo tempo, um indício da consolidação do SteamPunk enquanto movimento cultural e uma oportunidade para a divulgação do mesmo. Resta aguardar para ouvir a combinação Sugarland-Steampunk (até porque não dá para se saber que coelho sairá desta cartola), mas que gera uma grande expectativa é inegável.

Curiosidade: a banda Sugarland começou originalmente como um trio – além de Jennifer Nettles e o guitarrista Kristian Bush, fazia parte também a cantora-compositora Kristen Hall. No entanto, após ser creditada com apenas uma música no segundo lançamento da banda (intitulado “Enjoy The Ride”), Hall anunciou sua saída da Sugarland – uma grande surpresa a todos, já que o álbum foi um enorme sucesso.

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Confira:

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Confira a lista completa dos indicados:

Vídeo do ano
Beyoncé – “Single Ladies (Put a Ring on It)”
Lady Gaga – “Poker Face”
Eminem – “We Made You”
Kanye West – “Love Lockdown”
Britney Spears – “Womanizer”

Artista revelação
Lady Gaga – “Poker Face”
Drake – “Best I Ever Had”
3OH!3 – “Don’t Trust Me”
Kid Cudi – “Day N’ Nite”
Asher Roth – “I Love College”

Melhor Vídeo Masculino
Eminem – “We Made You”
Kanye West – “Love Lockdown”
Jay-Z – “D.O.A. (Death of Auto-Tune)”
T.I. feat. Rihanna – “Live Your Life”
Ne-Yo – “Miss Independent”

Melhor Vídeo Feminino
Katy Perry – “Hot ‘n’ Cold”
Beyoncé – “Single Ladies (Put a Ring on It)”
Kelly Clarkson – “My Life Would Suck Without You”
Lady Gaga – “Poker Face”
Taylor Swift – “You Belong With Me”
Pink – “So What”

Melhor Vídeo de Hip Hop
Eminem – “We Made You”
Kanye West – “Love Lockdown”
Jay-Z – “D.O.A. (Death of Auto-Tune)”
Asher Roth – “I Love College”
Flo Rida – “Right Round”

Melhor Vídeo de Pop
Beyoncé – “Single Ladies (Put a Ring on It)”
Lady Gaga – “Poker Face”
Britney Spears – “Womanizer”
Cobra Starship feat. Leighton Meester – “Good Girls Go Bad”
Wisin y Yandel – “Abusadora”

Melhor Vídeo de Rock
Coldplay – “Viva la Vida”
Kings of Leon – “Use Somebody”
Green Day – “21 Guns”
Fall Out Boy – “I Don’t Care”
Paramore – “Decode”

Melhor Coreografia
Beyoncé – “Single Ladies (Put a Ring on It)”
Britney Spears – “Circus”
Ciara feat. Justin Timberlake – “Love Sex Magic”
AR Rahman & Pussy Cat Dolls feat. Nicole Scherzinger – “Jai Ho! (You Are My Destiny)”
Kristinia DeBarge – “Goodbye”

Melhor Direção
Beyoncé – “Single Ladies (Put a Ring on It)”
Lady Gaga – “Paparazzi”
Green Day – “21 Guns”
Cobra Starship feat. Leighton Meester – “Good Girls Go Bad”
Britney Spears – “Circus”

Melhor Edição
Beyoncé – “Single Ladies (Put a Ring on It)”
Britney Spears – “Circus”
Miley Cyrus – “7 Things”
Coldplay – “Viva la Vida”
Lady Gaga – “Paparazzi”

Melhor Efeito Especial
Beyoncé – “Single Ladies (Put a Ring on It)”
Gnarls Barkely – “Who’s Gonna Save My Soul”
Lady Gaga – “Paparazzi”
Eminem – “We Made You”
Kanye West feat. Mr Hudson – “Paranoid”

Melhor Cinematografia
Beyoncé – “Single Ladies (Put a Ring on It)”
Coldplay – “Viva la Vida”
Lady Gaga – “Paparazzi”
Green Day – “21 Guns”
Britney Spears – “Circus”

Melhor Direção de Arte
Beyoncé – “Single Ladies (Put a Ring on It)”
Britney Spears – “Circus”
Lady Gaga – “Paparazzi”
Gnarls Barkley – “Who’s Gonna Save My Soul”
Coldplay – “Viva la Vida”

Clipe mais Inovador
Death Cab for Cutie – “Grapevine Fires”
Gnarls Barkley – “Who’s Gonna Save My Soul”
Cold War Kids – “I’ve Seen Enough”
Anjulie – “Boom”
Chairlift – “Evident Utensil”
Bat for Lashes – “Daniel”
Major Lazer – “Hold the Line”
Passion Pit – “The Reeling”
Matt & Kim – “Lessons Learned”
Yeah Yeah Yeahs – “Heads Will Roll”

Melhor Vídeo que Deveria Ter Levado o Astronauta Prateado
U2 – “Where the Streets Have No Name”
Dr. Dre – “Nuthin’ But a ‘G’ Thang”
Beastie Boys – “Sabotage”
Björk – “Human Behavior”
Radiohead – “Karma Police”
George Michael – “Freedom”
Foo Fighters – “Everlong”
Tom Petty and the Heartbreakers – “Into the Great Wide open”
OK Go – “Here It Goes Again”
David Lee Roth – “California Girls”

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Quem ainda não conhece a banda, que faz um rock tranquilo com influência da bossa-nova, saiba que os caras estiveram aqui no Brasil na edição de 2005 do extinto Tim Festival -- inclusive a dupla presenteou os cariocas com uma apresentação free nas areias de Ipanema, no dia seguinte ao show oficial.

Gravado entre Itália e Noruega, o álbum terá 13 faixas, dentre elas o single “Mrs. Cold”, lançado na web essa semana. Confira o vídeo abaixo:

Tracklist:
1- “24-25″
2- “Mrs Cold”
3- “Me In You”
4- “Boat Behind”
5- “Rule My World”
6- “My Ship Isn’t Pretty”
7- “Renegade”
8- “Power Of Not Knowing”
9- “Peacetime Resistance”
10- “Freedom And Its Owner”
11- “Scars On Land”
12- “Second To Numb”
13- “Riot On An Empty Street”

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Aos 50 anos de idade, Jackson se preparava para retornar ao palcos em “This is it”, uma temporada de 50 shows na O2 Arena, em Londres, que teria início no dia 13 de julho. Perguntado sobre o título da turnê, o artista comentou que essa seria sua despedida, uma última chance concedida aos fãs já que pretendia se aposentar em seguida. Os ingressos se esgotaram poucas horas após serem colocados à venda e ingressos extras chegaram a ser disponibilizados ontem no site oficial.

Nascido nos Estados Unidos, na cidade de Gary, Michael Joseph Jackson se iniciou na carreira musical aos 5 anos de idade, no Jackson 5, ao lado de quatro irmãos mais velhos e tendo o pai Joe Walter como empresário. O menino prodígio emplacou vários sucessos no topo da parada da Billboard entre 1969 e 1970 -- “I want you back”, “ABC”, “The love you save” e “I’ll be there”, só para citar alguns.

Em 1972, com apenas 14 anos, Jackson gravou seu primeiro disco solo -- “Got to be there” -- lançado pela Motown. Em 1979, o álbum “Off the Wall”, lançado pela Epic, teve quatro músicas no Top 10 da Billboard e duas delas, “Don’t stop ’til you get enough” e “Rock with you”, alcançaram o primeiro lugar.

Em 1982, Jackson lançou “Thriller”, o maior sucesso de toda sua carreira e o disco mais vendido da história da música, segundo dados não oficiais. O álbum ficou 37 semanas seguidas no topo da parada de vendas norte-americana, vendendo mais de 100 milhões de cópias ao redor do mundo, segundo a gravadora -- no “Livro dos recordes” constam “apenas” 65 milhões de unidades -- e rendendo 8 dos 13 prêmios Grammy que o cantor ganhou durante sua carreira. O clipe da faixa-título então, dispensa comentários. Com 14 minutos de duração, chegou a ser transmitido duas vezes por hora na MTV e foi um marco na história dos videoclipes (confira abaixo).

Na discografia do “Rei do Pop” estão ainda Bad (1987), Dangerous (1991), HIStory (1995) e Invincible (2001).

Michael esteve no Brasil em três ocasiões. A primeira, em 1974, quando se apresentou com o Jackson 5 em São Paulo, Rio de Janeiro, Porto Alegre, Brasília e Belo Horizonte. Depois, em 93, durante a turnê “Dangerous tour”, o astro voltou a se apresentar em São Paulo em 2 inesquecíveis shows que lotaram o estádio do Morumbi (100 mil pessoas em cada noite).

A última vez foi em 1996, quando o cantor retornou ao país para gravar o clipe de “They don’t really care about us”, dirigido por Spike Lee, onde ele se apresentou com o grupo Olodum nas ruas do pelourinho, em Salvador, Bahia, e na favela Dona Marta, no Rio de Janeiro.

Nos últimos anos, o astro continuou sendo notícia no mundo todo, infelizmente não por conta de sua música. Em 1993, Michael foi acusado de abusar de um garoto de 13 anos. Dez anos mais tarde, outro menino, da mesma idade, também se declarou vítima do cantor. Em ambos os casos, ele foi inocentado das acusações.

Michael Jackson deixa três filhos, uma legião de fãs e a certeza de que a música pop perde seu maior talento.

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A banda ELMA, formada por um quarteto paulistano conhecido por seu som denso e pesado, beirando o heavy metal, com influências que vão desde Sepultura a Sonic Youth, também se apresentou no festival No Ar de 2007, na Sala Cine UFPE, e já possui um EP lançado pela Amplitude.
Já a banda MONODECKS, caracterizada por um som mais calmo e ambiente (quase um new age moderno), apresentará na mesma noite suas sensações musicais diversas, transitando por momentos suaves e barulhentos, uma mistura bastante interessante para quem curte música experimental. O grupo já realizou uma performance ao vivo executando uma trilha sonora especial para o filme “Pi” durante a Mostra Play The Movie, na Fundaj, e lançou em 2007 seu primeiro trabalho gravado em estúdio, o single “Reverbera na Caverna”.

A 5ª edição da revista Coquetel Molotov traz diversas entrevistas exclusivas como, por exemplo, com as bandas Shout Out Louds e Peter Bjorn and John, que passaram pelo Brasil neste ano durante o projeto Invasão Sueca. A publicação, adquirida gratuitamente na compra de ingressos para o show, traz ainda matérias com Gogol Bordello, Arnaud Rodrigues, Nina Becker, resenhas de discos e uma seção de artigos do programa Cultura e Pensamento, do Ministério da Cultura.

Bar Burburinho

Localizado no bairro do Recife Antigo, o bar Burburinho é ponto de encontro das mais diferentes tribos: universitários, músicos, jornalistas e artistas de todas as idades.
As mesas na calçada fazem sucesso nos dias de calor, já no salão fechado, são realizados os tradicionais shows da casa. Na segunda-feira a banda Má Companhia toca clássicos do rock. As sextas e os sábados são dias de blues e rock.
No cardápio, boas opções de pratos, petiscos e sanduíches, como o de peito de frango, tomate seco, rúcula e manjericão acompanhado de uma boa cervejinha.

Serviço

Lançamento da Revista Coquetel Molotov Nº 5
Shows com ELMA e MONODECKS
Data: Quinta – 13 de novembro – 22h
Local: Burburinho Bar – Rua Tomazina, 106 – Recife Antigo – Recife – PE
Ingressos: R$ 7,00
Mais informações: www.coquetelmolotov.com.br

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Matheus von Krüger (MySpace) é um violonista, cantor e compositor, cujo estilo é difícil de rotular devido a sua abrangência e suas diversas influências, que vão do jazz ao forró, passando pelo samba, pela salsa, pelo soul, e por muitas outras paradas no caminho. Não à toa ele diz que é um camaleão, “um e um milhão”. Essa pluralidade é um reflexo também de sua vida: vindo de uma família mineira, nasceu na Bahia e já morou em Belém, São Luiz, e até mesmo na Nova Zelândia, antes de se fixar no Rio de Janeiro. Já passou por grupos de forró, samba e jazz, antes de criar o seu trabalho autoral (no CD “Outros Tempos”) montar o seu show de “groove verde e amarelo”.

E o show de Matheus é algo difícil de descrever. Acompanhado por uma banda afinadíssima e entrosada, formada por Piero Grandi (guitarra), Leandro Vasques (baixo), Renato Santoro (bateria) e Fred Alves (percussão), suas apresentações são ao mesmo tempo focadas e espontâneas, fazendo música séria enquanto diverte a audiência.

Seu último show, mês passado no Estrela da Lapa, foi um exemplo disso. A qualidade das músicas, aliadas à maestria dos músicos e uma postura que combinava foco e descontração, nos deixam com aquela sensação de que todos deveriam estar ouvindo aquilo. Com muito fôlego e carisma, o “camaleão” conquistou seu público, não importando qual o estilo musical pelo qual a música que estava tocando no momento se enveredava – na tradição dos melhores compositores, Matheus engloba esses estilos todos e deixa a sua marca neles. E nós, na platéia, agradecemos!

Com a mesma simpatia que exibe em cima do palco, Matheus von Krüger recebeu o OutraCoisa para uma entrevista descontraída, agradável como um bate-papo numa mesa de bar.

Entrevista com Matheus von Krüger

OutraCoisa: Para começar, eu queria que você falasse um pouco de como você começou, como músico, cantor, compositor…

Matheus von Krüger: A música chegou cedo pra mim, porque na minha casa todo mundo é muito musical: meu pai, minha mãe, a mãe dela era musicista, tocava piano, bandolim… Então a presença da música sempre esteve muito forte. Só que, além disso, a música pra gente sempre foi uma coisa muito social, de reunir as pessoas. E o meu intuito de tocar música – na verdade o intuito do meu pai ao me colocar numa aula quanto eu tinha nove anos de idade – era mais pra isso mesmo, pra inserção social, pra unir, etc., e quando eu me vi, eu pensava as coisas a partir da arte, e a minha forma de arte sempre foi a música. E por ter morado em muitas cidades diferentes, eu via que as diferenças são todas as possíveis e que tudo tem a sua verdade e a sua beleza, e era com a música que eu conseguia chegar até a verdade dos lugares. Nas manifestações mais populares você vê essa verdade, tinha música ali, entendeu? E o profissional veio depois, e bem naturalmente, quando, depois de muito freqüentar forró, um maluco me chamou para montar uma banda de forró – e ele falou que eu ia ser o cantor. Aí eu disse “Que isso, cara, eu não sou cantor não. Eu faço música.” Eu já tinha composto uma música que foi importante [“Lua Clara”], o pessoal do forró gravou e ficou conhecida, até gravei no meu disco, de tão importante que ela foi pra mim. Aí eu entrei nessa banda e comecei a cantar, fazer shows mesmo, mas ainda assim eu não me convencia muito que eu era um profissional, mesmo já ganhando dinheiro, cantando pra públicos de números razoáveis… Eu só me convenci mesmo quando eu li no jornal um anúncio de um show nosso falando “Matheus, cantor e compositor, estará se apresentando (…)” – aí eu pensei “É, eu realmente sou cantor e compositor, não tem muito jeito…” [risos].

OC: Você falou das não sei quantas cidades em que você morou quando era mais jovem, e uma coisa facilmente notável em você, e no show que você vem apresentando ultimamente, é que você possui uma gama enorme de influências. Dá pra perceber influências de música cubana e latina de modo em geral, tem um pouco de rock, um pouco de jazz, forró… Como você conseguiu juntar isso tudo e fazer funcionar?

MvK: Pois é, isso é um desafio constante pra quem tem muitas influências e é compositor, alguém de criação. Não é como você fazer um show com músicas conhecidas com diferentes estilos, dentro de um mesmo show. É você fazer um show de músicas não conhecidas de diferentes estilos, e fazer daquilo uma coisa só. Uma coisa que eu acho que fez gerar essa pluralidade, além de eu ter morado em vários lugares, é olhar pra coisa como um todo, sem preconceitos com o diferente. Quando eu morei na Nova Zelândia eu toquei muito jazz e, quando eu percebi, eu podia ser considerado quase um jazzista – mas em compensação eu nunca me deixo ser nada completamente, até porque eu gosto de preservar essa diferença. Já a música cubana foi uma coisa muito intensa. Eu fui assistir “Buena Vista Social Club” e quando eu saí do filme parecia que eu olhava pras pessoas na rua e as pessoas estavam diferentes, por conta de um filme que eu vi de Cuba, feito por um americano, um negócio muito forte mesmo. Então é a questão do ritmo musical: todos os ritmos, quando eles são legítimos, são fortes e me pegam. Basta você manter no show a linha de como você é tocado pela música– como eu fui tocado pela música, eu tenho que tentar tocar as pessoas da mesma forma, passar adiante aquilo. Então, independente do estilo, se você está fazendo isso dessa maneira, a unidade está aí.

OC: Pois é, o seu show é muito variado, com vários pontos diferentes, e o público responde a praticamente todos os estilos que você está tocando lá. O pessoal que está dançando forró é o mesmo que depois está gingando com a música cubana…

MvK: É, o público responde mesmo, é impressionante.

OC: Deve ser um inferno quando alguém te pergunta “Que estilo você toca?”.

MvK: Isso é muito difícil. Na verdade, quanto menos eu falo, melhor, porque acho que tem também uma coisa de hoje que é essa necessidade do rótulo. E não é só pra música, é pra pessoas também, elas precisam saber com quem estão falando, e isso eu acho uma coisa muito rasa – você acaba perdendo as nuanças das coisas. E a questão do mercado é a mesma coisa; um dos meus espelhos são essas figuras da MPB: Gil, Caetano, Chico, Milton, etc., e esses caras são vários, né? A obra deles mostra isso, que o que importava não era o estilo, mas o que eles queriam dizer e a forma como eles diziam aquilo. Então eu acho que hoje em dia é ainda mais difícil do que naquela época, porque hoje os nichos são mais fechados ainda, as pessoas não se comunicam tanto.

OC: E às vezes tem um preconceito muito grande das pessoas com outro estilo de música, abrir a cabeça para conhecer uma coisa diferente, que tem qualidade… e no fundo elas poderias gostar de tudo aquilo que está sendo apresentado.

MvK: Cara, na verdade elas gostam, se despirem-se de preconceitos de rótulo. Se elas gostarem de uma música elas vão gostar da outra, e às vezes se não gostou da música, é porque não gostou da forma como ela foi apresentada – porque não é só a canção, é tudo: são os instrumentos que estão tocando ela, são as pessoas que estão tocando os instrumentos… Eu estou com minha banda há um tempo já, então tem um som de banda mesmo – eu começo com um sambalanço e logo em seguida eu toco uma coisa mais dançante, mas que não tenha ritmos mais característicos, e dali eu vou pra um reggae e do reggae eu vou pra uma salsa, e são todas músicas minhas – então já existe uma unidade. Se a pessoa escutar a música e deixar se levar pelo ritmo e pelo que está sendo dito ali, não existe rótulo que segure o balanço. Acho que é mais por aí mesmo. O difícil é vender né? Vender esse show é difícil. Acho que aos poucos a gente vai conseguindo, porque um amigo leva o outro, o clima é bom, não vai pelo rótulo e sim pelo ambiente.

OC: O público que vai aos seus shows, de modo geral, é bastante grande, que se empolga e curte muito. Como é a sua relação com o público?

MvK: Cara, eu preciso de público, é o meu combustível. Eu sou melhor quando o público é melhor. Todo artista deve ser assim, mas ao contrário da inibição, eu sou pra fora – quanto mais gente, melhor. Então eu gosto de ensaiar muito, para poder estar ligado no público e poder responder a ele com naturalidade ali, na hora. A minha escola é daquele voz-e-violão na sala, com as pessoas próximas, e eu tento passar isso para o público. Se tem alguma coisa acontecendo ali na platéia, eu vou retornar, eu vou cantar diferente aquela mesma música que eu cantei ontem. A platéia influencia muito pra mim.

OC: Isso dá pra perceber. Você tem tocado uma música nova ao vivo, “Um e um milhão”, ótima por sinal…

MvK: É, eu gosto muito dela também! [risos]

OC: …Ela já é parte de um disco novo?

MvK: É. E essa música é muito importante conceitualmente pra mim, porque foi meio que um desabafo para as críticas que eu recebi por ser plural. Eu falo “Eu sou do mundo / estou sempre em movimento / parado eu não agüento / acho que sou camaleão”. Eu comecei com essa frase, que é descontraída, mas no final eu peço a “dissolução da velha opinião / e de todo achismo que desfoca a visão / de que cada um é um e um milhão”. Somos vários mesmo, e quem se diz uma coisa só está perdendo a chance de ser muito mais, entendeu?

OC: Eu acho que você tem toda a razão. Se formos olhar para o cenário musical brasileiro você já mencionou vários exatamente assim, e o internacional também tem vários exemplos – para citar dois dos maiores: Beatles e Bob Dylan, dois artistas com milhões de facetas diferentes…
MvK: Certamente!

OC: …e são grandes justamente por isso, por conter todas elas.

MvK: Era isso que eu ia falar – eles não são grandes e são isso, eles são isso, e muito por conta disso, eles são os grandes. E, além disso, outra surpresa que eu tive com o “Um e um milhão” foi uma união muito importante com meu grande parceiro atual Rafael Gryner, que é um cara que se juntou com idéias complementares. E ele é técnico de som, além de músico, e ele a gravou no estúdio em que ele estava trabalhando, de uma forma que eu quero que seja no disco: uma coisa que seja pensada, mas que tenha margem de erro mesmo, tipo “Ah, isso aqui funcionou, isso aqui não funcionou, vamos tentar fazer de novo de outra maneira”. No primeiro disco eu não tive essa possibilidade, era tudo numa tacada só por conta de dinheiro, os músicos que tocaram no meu primeiro disco são mais que estabelecidos. Mas, em compensação, a execução, apesar de perfeita, eu não podia contestar, não dava tempo de contestar. Então esse disco eu quero que seja dessa maneira, vou pensar num conceito, mas vou fazer experimentações. E quem puder ouvir “Um e um milhão” vai ver que eu fiz percussão de corpo na primeira parte, na segunda coloquei a banda, e ao mesmo tempo não ficou uma maluquice, ficou uma coisa bem coerente. Aí, a partir do “Um e um milhão”, eu percebi que eu tenho duas possibilidades de comunicar pela música que é: uma com a banda, com uma sonoridade fechada, um conceito mais claro, onde eu não tenho tanta liberdade, porque nos arranjos cada um cumpre o seu papel, e eu tenho essa coisa do voz-e-violão, que é como eu componho as músicas e como eu me apresento a priori. Então eu estou pensando em fazer um disco tipo lado A/lado B, mas onde nenhum dos dois é o A e nenhum dos dois é o B, é só um disco que vai ser seis músicas baseadas no voz-e-violão, aí vai entrar o “Um e um milhão” que começa nesse estilo e depois entra a banda, e a segunda parte do disco toda com a banda. Aí fica a primeira parte mais livre, com convidados e solistas, e a segunda com a banda mesmo com a sonoridade fechada. Tomara que dê certo!

OC: Parece ótimo. E a banda que você vai usar é a mesma banda que acompanha você já nos shows, o “Molho”?

MvK: Exatamente. Isso é uma coisa que tem que se falar: eles são meus amigos e não recebem o tanto que merecem, eu não ganho dinheiro porque todo o dinheiro que eu ganho eu dou pra eles, mas é muito pouco. O cenário da música autoral no Rio é complicado, porque eu tenho a impressão de que não tem uma “classe média” da música no Rio – ou você é o artista estabelecido ou toca samba, que é uma alegria aqui no Rio, tem muito trabalho, a Lapa ferve, etc., ou você fica nesse lugar que não tem muito dinheiro, não tem muito público, as pessoas que vão assistir geralmente ou são pessoas próximas ou pessoas que gostam de coisa nova, e não necessariamente essas pessoas são aquelas que têm dinheiro para pagar um ingresso mais caro. Então essa galera que está comigo eu tenho que ficar com eles o máximo que eu puder, até porque se der mais certo, se a música for pra frente, se tiver um reconhecimento e um retorno financeiro, eu quero que eles estejam comigo.

OC: E aí ainda teria uma vantagem associada – a sonoridade do seu show vai ser bem mais próxima da sonoridade do disco, pelo menos nessa segunda metade, porque no primeiro não funciona exatamente assim: o disco tem um som mais refinado, mais trabalhado, não é o som do show, que é um som bem mais empolgante.

MvK: Exatamente, cara. Excelente comentário. Hoje em dia isso é mais normal, você ter um pouco mais de distância entre o disco e o show. Mas em compensação eu não gosto tanto dessa idéia, eu prefiro que seja uma coisa mais fiel, porque o produto não é mais o CD, o produto é o show. Como o CD deixou de ser um produto e passou a ser um convite, que esse convite seja para visitarem o show, que aí se visita o artista ao mesmo tempo. Eu quero uma coisa mais próxima, sem dúvida.

OC: Como você formou essa banda atual, que já está com um entrosamento muito grande?

MvK: O integrante mais antigo da banda, que é o Piero, é um cara que eu conheci quando eu voltei da Nova Zelândia, e o nosso elo foi o jazz. Aí quando eu tive a banda de forró eu o chamei pra tocar baixo na banda, ele era meio gringo no baião [risos], mas eu o trouxe porque era amigo. Ele pegou o jeito, claro, e nós seguimos adiante. E nesse momento, que eu estava compondo muito pra forró, saíram várias músicas que não eram forró. Aí, quando eu vi, eu tinha músicas de qualidade, que eu queria mostrar, mas não podia ser uma coisa fechada, entende? Nesse momento, eu e o Piero decidimos montar uma banda, e chamamos dois amigos entre si, o Felipe e o Luís, que já tocavam juntos há muito tempo – o nome era Molho Madeira, porque a gente queria tocar tudo de madeira: percussão, baixo acústico, violão e guitarra semi-acústica. Só que essa idéia do “madeira” foi embora rápido porque a sonoridade não era essa, era meio forçar a barra. Essa banda durou bastante tempo, quer dizer, muito tempo na minha cabeça [risos], durou quase três anos. Aí o Luís foi ser cineasta no Ceará e o Felipe teve filho e começou a trabalhar com fotografia. Então eu chamei dois amigos meus da UNI-Rio, já profissionais da música, pra montar a banda: o Renato e o Leandro. O Leandro é um maestrão assim, muito novo, mas toca com muita gente desde muito cedo. Com essa banda a gente chegou num som que eu gostei muito, e que a platéia parece, pelo retorno, também ter gostado – foi quando a gente teve um salto de público. E mais para frente a gente chamou um percussionista, que é o Fred, para caracterizar melhor esses ritmos mais tradicionais, como a salsa cubana, o samba, o xote, e até mesmo o rock, que tem características de percussão que às vezes as pessoas não consideram.

OC: Nos seus shows, você costuma tocar muitos covers diferentes, faz uns jams no meio das músicas… Como é o processo de seleção desses covers?

MvK: Eu vou a partir do estilo das minhas músicas, tem as minhas influências… No caso da salsa que eu fiz [“Son da Espera”], eu queria colocar uma salsa cubana mesmo pra andar junto com ela. E esse momento da salsa ficou tão forte no show que eu coloquei mais uma música, “De qué callada manera”, que é uma letra do Chico Buarque e uma música do Pablo Milanés, que é cubano. Mas, fora isso, eu sempre prezo por cantar os artistas que eu acho legais, o Lenine, o Caetano… Eu toco uma de um compositor uruguaio chamado Jorge Drexler – eu queria fazer um link com a América Latina, porque a gente fica meio isolado por conta da língua, mas basta fazer uma forcinha. Eu não falo nenhuma palavra de espanhol “aprendido”, eu ouço uma música e vou buscar saber o que quer dizer, e não é difícil. A gente perde às vezes muita coisa boa que está ali do nosso lado, mas não chega, né? Chegam mais as músicas em inglês…

OC: ou Shakira! [risos]

MvK: ou Shakira! [risos] Exatamente!

OC: Nos seus trabalhos de composição dá para perceber, seja através do disco ou dos seus comentários durante os shows, que você tem vários colaboradores, e curiosamente nenhum deles é da banda. Como surgem essas colaborações?

MvK: Tem umas que surgem naturalmente, como eu e meu primo, que é um dos letristas principais do CD. Ele é meu primo, nós estamos na música, assim como na vida, juntos. E o outro parceiro do meu primeiro disco foi o Muri Costa, que foi meu professor de violão e começou a gostar das músicas que eu mostrava pra ele, que eu fazia sozinho ou com outros parceiros, e ele se convidou para ser o produtor do meu disco, que eu não tinha imaginação de fazê-lo naquele momento. Ele falou “Vamos fazer um disco seu, cara, você já tem música pra isso”, e eu falei “Não, ainda não”, e ele “Vamos fazer, a gente passa um ano compondo, toda quinta-feira e aí a gente faz o disco, a gente chama alguém pra fazer as letras” – aí eu imediatamente já tinha o Roger (o fotógrafo Rogério von Krüger), meu primo, para fazê-las. Essa tríade de composição aconteceu assim, meio naturalmente, meio com esse objetivo de compor para um trabalho. E é interessante que como foram feitas as músicas num período de mais ou menos um ano, tem vários temas, de amor principalmente, que se repetem porque eu estava vivendo um lance ali naquele momento, e são diferentes dos temas que eu estou fazendo hoje, que são mais abrangentes, imagino até que mais maduros. Os meus parceiros de hoje são parceiros que eu já convido de forma diferente – certamente são meus amigos, ou pessoas com quem eu gosto de estar, mas são pessoas com obras, trabalhos já feitos, que eu olho para o trabalho dos caras e penso “Quero ser parceiro dos caras”.

OC: Além desse projeto futuro, do CD, o que mais você tem feito?

MvK: Eu tenho tocado com um guitarrista, chamado André Siqueira, que é uma figura muito impressionante, um cara muito bom, muito novo, que já tocou com a Roberta Sá. Um dia tocando em casa a gente se conectou musicalmente e foi muito impressionante como deu certo. Ele, por ser muito bom, pensar muito rápido, encaixou onde tinha espaço vazio na minha execução, e então a gente está fazendo esse show de voz, violão e guitarra, em bares e restaurantes, lugares que deixam a gente tocar assim o que a gente quiser. Geralmente o som não é pra se escutar música, mas quem quiser, dá pra escutar. A gente tem tocado muito num lugar chamado Gibeer, que é uma cervejaria pequenininha no Jardim Botânico, mas é um trabalho que eu acho que vale a pena. E toda semana [terças-feiras] eu toco samba numa boate [The House], para me manter perto do mercado do Rio de Janeiro, e é um lugar interessante que é mais para gringo. Então eu tenho tocado semanalmente nesses dois lugares, e com a banda eu vou fazer shows mais espaçados, mas com uma produção um pouco maior e melhor, como foi a do último show no Estrela da Lapa, para ver se vão outras pessoas, dá uma reciclada.

OC: Seu público é bastante fiel…

MvK: É, tem um público que sempre vai, e sem eles não tinha jeito. Mas o ideal é abranger um pouco mais, conquistar mais gente.

OC: Para terminar, uma mensagem final sua, para quem quiser assistir aos seus shows, comprar o seu disco…

MvK: Para os shows, é ficar atento no MySpace e no site, está sempre anunciando lá (Não esses shows menores tipo voz-e-violão ou samba). E neles tem um link para o site onde vende meu CD. E principalmente ir aos shows, quando anunciar Matheus von Krüger e banda, é porque é o show com a banda mesmo, com as músicas do CD, algumas novas, etc., e eu certamente estarei vendendo o disco. E é no show que eu acho que as pessoas entendem o que eu quero dizer com tudo isso que eu falei aí. [risos]

Serviço

MySpace . Visite o perfil

Paravox . Adquirindo o CD

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Sabrina começou com fortes influências de Nirvana e bandas de nu-metal, estilo no qual suas músicas são bastante calcadas, mas como também ouvia Green Day, No Doubt e cantoras como Etta James, seu estilo não fica restrito a este cercado. Se Sabrina tivesse de ser rotulada, talvez pudéssemos descrevê-la como o peso do nu-metal, mas com a melodia do pop, tornando o seu som palatável e de fácil aceitação do público, como a música “Realidade Freak Show” – carro chefe do seu show – comprova.

E a cantora, junto com Renato Pagliacci (seu guitarrista, produtor e colaborador de longa data), Davi Iceberg (baixo) e Diego Andrade (bateria), promete fazer um show de arrasar, mostrando não apenas músicas do seu álbum de estréia, mas quatro músicas novas, que estarão presentes em seu próximo lançamento – “Medo Meu”, “Superstar”, “Pq do Pq” e “Nas Suas Veias”.

O Show começará às 22hs, e custa apenas R$15,00 (R$10,00 com nome incluso na lista amiga, através do email reservas@jamclub.com.br). E, como diz o seu flyer, “tirem as crianças da sala, porque Sabrina Sanm não está para brincadeiras”!

Curiosidade: para conhecê-la melhor, basta ler as duas entrevistas (complementares entre si) que Sabrina já concedeu ao OutraCoisa – primeiro para André Sigaud () e depois para Davi Lisbôa.

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Não é de conhecimento geral, mas deveria ser: o projeto Música no Museu, que existe há 11 anos, ganhou esta semana a Ordem do Mérito Cultural de 2008. E merecidamente: é o correspondente brasileiro do que acontece em todos os maiores museus do mundo, incluindo o Guggenheim, o Metropolitan e o Louvre. A idéia é trazer a música ao ambiente das artes, sem limitações de época, estilo ou lugar – artes clássicas, modernas ou plásticas; músicas medievais, clássicas ou jazz. A programação é de alto nível e a entrada, sempre franca.

Neste sábado, por exemplo, haverá no Centro Cultural Municipal Parque das Ruínas (localizado na Rua Mutinho Nobre 169, em Santa Teresa, Rio de Janeiro), às 11:30 da manhã, a exibição de Roberto Moraes (que toca harmônica de boca – uma espécie de gaita), tendo ainda como convidado especial o violonista Marcelo Câmera. Juntos, tocarão clássicos brasileiros (de “Brasileirinho a “Asa Branca”, de “Samba de Uma Nota Só” a “Trenzinho Caipira”), bem como incursões internacionais (exemplos de “Night And Day”, do grande Cole Porter, e a tradicional peruana “El Condor Pasa”) e composições próprias.

Enfim, é mais uma bela iniciativa que merece ser apreciada e conhecida. Àqueles que tiverem interesse, a programação completa, bem como concursos de músicos e festivais promovidos, a página do projeto Música no Museu pode ser visitada em MusicaNoMuseu.com.br.

Curiosidade: a visita ao Centro Cultural Municipal Parque das Ruínas é válida também, independentemente do projeto. Além de diversas exposições (atualmente está lá a mostra Mirantes, cujo tema é “Olhares Contemporâneos em Pintura”), há também exibições teatrais e, no caso deste domingo particularmente, uma programação especial para o dia das crianças. E, após a visita, um café no lindo mirante do museu cai muito bem!

Não foram encontrados.

É algo como se Paulinho da Viola dissesse que o samba morreu e lançasse um disco de rap.

Mais de três décadas se passaram. A debacle continua. Dizem que, se não morreu o jazz mudou de endereço. E Wynton Marsalis é o arrimo de família que ainda cuida do ainda moribundo que, como o samba, agoniza mas não morre. Marsalis faz o que pode. Tem rara musicalidade e é um legítimo virtuose cujo talento extrapola em muito o gueto. Quem tiver qualquer dúvida que ouça o ótimo Baroque Music for Trumpets.

Mas o momento social que gestou a música de improviso americana, tocada por negros nos guetos de New Orleans passou mesmo. A sociedade é outra, o posicionamento daquele grupo étnico também. Mudou o espaço que ocupam e, junto, suas demandas existenciais. Sua música não é mais exatamente sua. Jazz é um gênero maior que o gueto. Deve mesmo ter mudado de endereço.

O mais descolado grupo de jazz do momento é Medesky Martin & Wood. É uma banda de brancos de New York. Mistura influências de rock, rap, hip-hop, funk, raggae e samba em um groove que move até o mais careta dos quadris. A formação é um clássico: um piano-trio onde John Medeski fica com as teclas, Chris Wood com os baixos e Billy Martin na bateria/percussão. E o trio é uma experiência sonora diferente a cada disco. São flertes em todas as direções musicais com uma incrível personalidade musical.

São fortes as influências brasileiras na música do grupo. Hermeto’s Daydream do álbum Notes from the Underground (1995) cita nosso grande instrumentista. O álbum The Dropper (2000) é todo recheado de sonoridades brasileiras como cuícas, surdo e berimbau além da faixa Partido alto. E Cachaça é uma das faixas de Out Louder o excelente album de 2006.

Mas não são só influências extrínsecas ao jazz que formam o show da banda. Quem curte Thelonious Monk, John Coltrane, Sun Ra e Albert Ayler vai reconhecer suas vozes pelas experiências do MMW.

O  trio tocou pela primeira vez no Brasil na edição 1999 do extinto Free Jazz. Dificuldades técnicas desfalcaram o órgão Hammond de John Medeski, uma das mais fortes impressões digitais da banda. Foi um show morno que acabou por não apresentar propriamente o então desconhecido grupo ao público brasileiro.  O grupo voltou a tocar no Brasil em 2006. Foi em São Paulo e foi considerado um dos melhores do ano.

Paulistas e cariocas têm agora a chance de ouvir o mais recente show da banda. Serão quatro shows em setembro. Dia 18 no Bourbon Street Music Club, 19 no Canecão Petrobras e 20 e 21 no Sesc Vila Mariana. É oportunidade imperdível para se ouvir ótimos grooves, balançar o esqueleto e conferir se o tal do jazz vive.

Não foram encontrados.

A música que ouvimos é adjetivo, é adjunta. Quase nunca é substantiva, sujeito. É música para dançar, a trilha sonora do filme ou o fone d’ouvido que embala a ‘micragem’ nossa de cada dia. Mas quando foi a última vez que você estava apenas e tão somente ouvindo música com toda sua atenção voltada para o universo sonoro em questão?

Video Games Live™ é um evento. Um evento que tem a forma de um concerto de música. Um concerto que é uma experiência de imersão em um universo sonoro muito particular: o dos video games.

Nas palavras de seus produtores “o VGL preenche uma lacuna no entretenimento trazendo a experiência sinfônica orquestral às novas gerações de amantes e fãs de música e, ao mesmo tempo, uma experiência nova e original para a família ou os não jogadores”.

Participam do mix do evento elementos de concerto de rock como percussionistas e  músicos solo, tecnologia e interatividade de video game, orquestras sinfônicas de primeira linha, tudo sincronizado com visuais e iluminação de alta tecnologia. E a audiência de cosplayers é concorridíssima.

E o “programa” da ópera-game? É uma interminável lista de clássicos como Mario™, Zelda®, Halo®, Final Fantasy®, Warcraft®, StarCraft® II, Sonic™, Metal Gear Solid®, Kingdom Hearts, Chrono Cross™, Myst®, Tron, Castlevania®, Metroid®, Medal of Honor™, God of War™, BioShock™, Civilization IV, Tomb Raider®, Beyond Good & Evil™, Advent Rising, EverQuest® II, Monkey Island, Earthworm Jim, Pac-Man, Conan, Guitar Hero™, Headhunter, Splinter Cell®, Ghost Recon™, Rainbow Six®, Jade Empire, Contra, Harry Potter and the Order of the Phoenix™, Pong®, Donkey Kong®, Dragon’s Lair, Tetris, Frogger, Ghosts ‘n Goblins, Gauntlet, Space Invaders, Outrun entre muitos outros.

O VGL esteve no Brasil em suas turnês de 2006 e 2007. Em 2008 as cidades onde haverá apresentação são Brasília, Curitiba e Rio de janeiro. Nas duas primeiras a música fica a cargo da Orquestra Villa-Lobos e na edição carioca com a Petrobrás Sinfônica.

Serviço

VGL Brasília dia 28 de setembro, às 19:00hs no Centro de Convenções, ingressos a venda aqui.

VGL Curitiba dia 2 de outubro, às 21:00hs no Teatro Positivo – Grande, ingressos a venda aqui.

VGL Rio de Janeiro dia 5 de outubro, às 20:30hs no Canecão, ingressos a venda aqui.

Site Oficial do Video Games Live

Não foram encontrados.

Os fãs de “Heroes” que já estão desesperados para a estréia da nova temporada dia 22 de setembro podem comemorar uma novidade: a trilha sonora da série, em edição de luxo, será lançada no dia 09 de setembro. Mas a novidade não para por ai, pois a edição de luxo vem com um encarte especial que contém mais de 20 ilustrações poderosas criadas por artístas gráficos como Tim Sale e Steven Parke.

A trilha é bem eclética e vai de Bob Dylan a Panic! at the Disco, sem esquecer a música da série, composta por Wendy & Lisa. O álbum também conta com faixas exclusivas, incluindo um dueto de Brighton Port Authority e Iggy Pop, a versão de Wilco para “Glad It’s Over” e “All Things Must Pass”, primeira música gravada em estúdio pelo The Jesus & Mary Chain na última década.

Segue a lista completa das faixas do CD.

Heroes Title – Wendy & Lisa
Fire and Regeneration – Wendy & Lisa
He’s Frank – Brighton Port Authority featuring Iggy Pop (*)
All For Swinging You Around – New Pornographers
Glad It’s Over – Wilco (*)
Weightless – Nada Surf
Nine In The Afternoon – Panic! At The Disco
Chills – My Morning Jacket (*)
Natural Selection – Wendy & Lisa
ABoneCroneDrone 3 – Shelia Chandra
Not Now But Soon – Imogen Heap (*)
Jealously Rides With Me – Death Cab For Cutie
All Things Must Pass – The Jesus and Mary Chain (*)
Homecoming – Wendy & Lisa
Man In The Long Black Coat – Bob Dylan
Maya’s Theme -Cucu Diamantes& Yerba Buena (*)
Keeping My Composure – The Chemical Brothers featuring Spank Rock (*)
Heroes – David Bowie *Denotes an exclusive new release on the “Heroes” soundtrack album (all Wendy & Lisa music is exclusive).

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Um dos maiores fenômenos vivos da música pop, Amy Winehouse anda no fio da navalha em sua vida pessoal e não dá lá os melhores exemplos para seus jovens fãs, mas não há como falar mal de seu repertório irretocável.

Com uma “carteira” de quase vinte prêmios – do BRIT Awards ao Mtv Musica Awards, passando pelo Mtv Europe Music Awards e pelo Grammy Awards – Amy Winehouse já deixou bem claro em quanto a música faz parte de sua vida desde os 13 anos, quando ganhou sua primeira guitarra elétrica.

Cantora profissional desde os 16 anos, Amy Winehouse, que já foi presa duas vezes em 2008 por posse de drogas e por espancamento de um desafortunado, não corre o risco de nos deixar pensar acerca de suas falhas de comportamento quando abre a boca para cantar.

Em Junho de 2007 a cantora se apresentou no festival francês Eurockéennes e, como se acostumou a fazer, fez qualquer crítico calar a boca pelo menos no que se refere a sua música.

A boa notícia é que dia 29 de Setembro, Segunda-Feira, às 22:45, o Multishow vai colocar no ar o Eurockéennes em seu programa “Multishow Music Live”.

A notem em suas agendas, ou verifiquem regularmente a Agenda Net-TV, aqui no OutraCoisa!

Não foram encontrados.

Desta vez a apresentação será na livraria Letras e Expressões de Ipanema, em formato acústico e trazendo Fabio Lima no baixo e guitarra e Dan Sebastian no trompete, cajón e teclado.

Com participação especial de Rodrigo Sha e Danni Carlos, o show acontece hoje – dia 26 de Agosto de 2008 – às 21 horas, com ingresso de R$ 20,00.

Se você mandar um e-mail para a equipe da Liah com seu nome e de seus acompanhantes ainda ganha um desconto ao entrar para a Lista Amiga.

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• Liah no Letras e Expressões
• Liah

1. Liah, você nasceu no Pará, passou a adolescência em Santa Catarina, depois foi pra São Paulo e agora tá no Rio. Como morar em tantos lugares influenciou a sua carreira?

Morei no Pará até os 14 anos, numa cidadezinha do interior,e lá meu contato com a música era mais regional e também com grandes clássicos da musica brasileira, adorava ouvir os discos que meu pai tinha do Cartola, Nelson Gonçalves, Luiz Gonzaga… Quando fui a Santa Catarina, fui estudar violão clássico, mas acabei conhecendo o trabalho de diversos artistas e bandas, e nessa época, onde eu ja compunha musicas pra participar de festivais, vi que a musica era muito mais abrangente. Morei lá até os 18 e tive a minha primeira banda de pop/rock, descobri Legião Urbana, Sheryl Crow, entre tantos outros que com certeza foram importantes pra minha formação musical. Morar em São Paulo, foi uma decisão arriscada, mas eu já sabia que queria viver de musica, foi um momento difícil porque estava ali sozinha e não conhecia ninguém, e sem grana… Mas chegando la me virei mandando minhas musicas pra outros artistas gravarem, então vi o outro lado do show businnes, conheci diversos produtores e adquiri experiência com estúdio, ja que tinha que arranjar minhas musicas pra enviar pra eles. Alem de São Paulo e Rio morei também em Belo Horizonte! rs Minha música é uma extensão do que sou, então é claro que todas essas cidades me influenciaram de alguma maneira. Cada lugar tem sua energia, seus cheiros, seus gostos e sua história, apesar de concordar que música é universal, posso dizer por exemplo que ouvir bossa hoje morando no Rio, faz muito mais sentido pra mim.

2. A dupla Sandy & Júnior gravou uma música sua (“Desperdiçou”). Como foi esse contato? Qual foi a sensação de ouvir a sua música nas rádios e ver ela na TV (Eles até fizeram um clipe da música, né?)?

Foi muito bacana, além dessa, gravaram outras músicas também. A primeira a tocar no rádio foi uma musica chamada “Nada é por Acaso”. E foi 1 ano depois de eu ter me mudado pra São Paulo, num momento em que eu ja estava quase desistindo e voltando pro Pará. E ver o sucesso da música com a dupla me incentivou a continuar ali, apesar das dificuldades…

3. Essa música no seu show tinha um toque latino. A música sempre foi assim e eles deram uma cara mais pop ou o toque latino foi só pro show?

Quando compus a musica, o arranjo tinha uma referencia total Carlos Santanna. rs Mas não tinha congas e toda essa latinidade. É que no show, eu adoro mudar, e tocar as mesmas músicas de varias maneiras, abusar das possibilidades que ela pode oferecer.

4. Do pop ao rock. O seu segundo CD “Perdas e Ganhos” tem uma pegada mais pesada, mais rock n’ roll. Por que a decisão de fazer um disco mais pesado e quais foram as bandas e/ou artistas que serviram de influência nessa fase?

Eu estava morando em BH, e tinha acabado de participar da produção de um disco de rock de uma banda meio mineira, meio paulista, chamada código B. Por conta disso, eu que me considero uma artista híbrida, de influencias musicais diversas, nessa época estava ouvindo muito rock de algumas bandas como Foo Fighters, Audioslave, Radiohead e Oasis. E além disso, o produtor desse disco foi Marcelo Sussekind, que dispensa comentários… hehe

5. E quais as suas influências fora do rock?

Algumas eu já citei na primeira pergunta, mas posso citar inúmeras outras aqui: Caetano veloso, Marisa Monte, Cassia Eller, Steve Wonder, Fiona Apple, Nelly Furtado, Tim Maia, Bob Marley e muita gente que provavelmente to esquecendo agora…

6. E quais são aquelas bandas e/ou artistas que você gosta, mas tem vergonha de contar em público porque todo mundo faz careta quando você diz que gosta?

Eu não tenho vergonha de contar, mas muita gente faz careta quando admito que gosto de forró, o forró de Elba Ramalho, Luiz Gonzaga, Bastinho Calixto…

7. No show no Letras & Expressões que assisti, pude notar uma ar bastante particular nas suas letras. Conte um pouco sobre o seu processo de criação.

Geralmente componho a melodia primeiro, pra escrever a letra as vezes demoro semanas, as vezes nem 10 minutos… Não tem muito mistério, escrevo sobre o que vejo, penso, imagino, desejo, e também sobre fatos que repudio ou me assustam, de alguma forma me causam fruição. Mas na grande maioria, minhas letras são positivas, eu me considero uma pessoa positiva. Para pensar no que escrever, procuro sentir antes o que a melodia ta contando, se ela é mais densa, triste, feliz…

8. E como conheceu os músicos que te acompanham nos shows?

Conheci o Dan Sebastian (direção musical, teclados, percussão e produtor do disco Livre) na gravação do meu segundo disco, ele me apresentou Fábio Lima (guitarra), e Rike Frainer (bateria) que me apresentou o Marcelo Penner (baixo), que infelizmente nos deixou porque foi estudar na Alemanha. Atualmente estou a procura de um baixista!

9. Mês passado você assinou contrato com a Som Livre. Como foi assinar com uma grande gravadora?

A alma desse disco é livre, eu havia saído da Emi (major) e decidi produzir o proximo disco independente, com mais calma, sem prazos, nem pressões. E todo o processo criativo foi delicioso, acho que consegui misturar ali todas as minhas influências musicais. Descobri que ser independente tem vantagens e desvantagens como tudo na vida, é mais difícil você conseguir espaços pra divulgar seu trabalho, mas também novas portas se abrem. Por outro lado, muitos fãs de regiões mais distantes reclamavam porque não conseguiam comprar meu disco pela internet, o frete deixava o CD caro. A Som Livre apareceu com uma proposta bacana, e eu fico feliz por saber que meu disco vai estar nas lojas em Outubro.

10. Como você vê o cenário fonográfico atualmente?

Essa situação em que disco nao vende mais e que a venda de mp3 está crescendo, mais ainda é algo pequeno dentro do nosso país, desnorteia um pouco o futuro do mercado fonográfico. Os artistas até se mantem com os shows, mas e os compositores, músicos, arranjadores, produtores,enfim, todos os que participam da criação da obra, como vão ser remunerados de uma maneira justa pelo seu trabalho? Eu sinto que nós que trabalhamos com música nesse momento somos como desbravadores, não sabemos direito o que está por vir, mas acredito que uma hora o caminho para que as coisas se normalizem aparecerá.

11. Vinil, CD ou mp3?

Dificil escolher… Acho o charme do barulhinho do vinil incomparável, no carro adoro CD, é onde tenho minha melhor referência pra ouvir algo. E em qualquer lugar, o mp3 é prático!

12. Você se identifica com a cultura nerd?

Acho que posso me considerar uma quase nerd, existe isso? hahahaha
Adoro ler, aprender coisas novas, e sou um tanto viciada em filmes… A internet é pra mim uma das melhores invenções, eu a uso bastante pra descobrir novos sons, pesquisar sobre o mundo, fazer trabalhos da faculdade, pra ter contato com fãs, falar com amigos… Ah! E eu ja conhecia o site de vocês, acho que sou um pouco nerd sim.

13. Para finalizar, gostaria de mandar algum recado para os seus fãs que acessam o OutraCoisa?

Bom! Eu quero avisar que meu disco vai estar nas lojas em Outubro, com três faixas adicionais que estou gravando atualmente em estúdio! Que a temporada no Letras tá muito bacana, com varias participações, e quem puder ir, ficaremos lá até o dia 02 de Setembro, todas as terças. E queria aproveitar o espaço pra dizer que fiquei honrada com o convite da banda Catedral pra participar do seu DVD em comemoração aos 20 anos de carreira.

Beijooo a todos!

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• Liah no Letras e Expressões
• Liah no Letras e Expressões 26.08.2008

O Tim Festival, um dos eventos musicais mais tradicionais (em sua sexta edição, ocupando o lugar do finado Free Jazz Festival) do cenário brasileiro, já tem datas e locais confirmados – ocorrerá na segunda quinzena de outubro no Rio de Janeiro (Marina da Glória), São Paulo (Ibirapuera) e Vitória (Teatro UFES). Estranhamente, Curitiba, que há anos sedia também o Tim Festival, foi deixada de fora da edição de 2008.

Depois dos delírios iniciais de costume (todo ano é a mesma coisa) – os delírios da vez incluíam Amy Winehouse (que não se sabe nem se conseguirá continuar fazendo shows até outubro), Franz Ferdinand, Kaiser Chiefs, Mika e até mesmo o lendário Leonard Cohen (há rumores que Mika e Cohen ainda têm chance de acertarem com o Tim Festival, mas é muito difícil) – a seleção até o momento de artistas internacionais confirmados (11, no total) é muito boa. Com mais um ou dois nomes fortes, poderemos ter uma das edições mais atraentes de todos os tempos.

O indie, como sempre, está muito representado na edição 2008: nada menos que cinco bandas já confirmaram presença (The Gossip, Klaxons, Gogol Bordello, MGMT e The National), mas todas com o seu grau de originalidade. Mas como vem ocorrendo com freqüência nas últimas edições, os mais aguardados são os “outros”. Na parte Jazz, temos já confirmadas as participações da cantora Stacey Kent, da pianista Carla Bley, da revelação Esperanza Spalding e o lendário saxofonista Sonny Rollins.
Sonny Rollins completa o trio de destaque maior do Tim Festival 2008 (pelo menos até o momento) – junto a ele temos o excepcional Paul Weller, ex-líder tanto da importantíssima Jam quanto do Style Council, e o rapper e produtor Kanye West, cujo show – “Glow In The Dark” – foi eleito pela crítica norte-americana uma das melhores produções da década.

Resta-nos ainda esperar mais novidades – e assim que novos nomes forem confirmados, eles serão noticiados aqui no OutraCoisa.

Curiosidade: aparentemente, nomes brasileiros demorarão mais para serem confirmados e/ou divulgados. No entanto, um deles já é certo: o ex-hermano Marcelo Camelo. Boa pedida!

• Carla Bley: a pianista norte-americana de setenta anos é uma das referências do jazz, famosa por sua originalidade em composições e arranjos. As suas músicas geralmente contêm estruturas assimétricas, ritmos quebrados, melodias imprevisíveis (mas que pegam fácil) e letras que muitas vezes misturam humor e drama, subvertendo a fórmula do jazz com efeitos incríveis. Seu mais recente álbum, “Appearing Nightly”, será lançado ao final de agosto.

• Esperanza Spalding: quanto tinha 15 anos, pegou pela primeira vez em um contrabaixo, e meses depois já era considerada um prodígio musical. Além da sua proficiência instrumental, Esperanza também é conhecida por mesclar suas raízes de jazz com outros ritmos, como blues, funk, pop-fusion e world music (principalmente ritmos cubanos e brasileiros). Vem ao Brasil após lançar, este ano, seu segundo álbum, “Esperanza”, no qual gravou “Ponta de Areia”, de Milton Nascimento – que certamente estará presente no show.

• Gogol Bordello: provavelmente a banda mais alternativa e diferente a tocar neste Tim Festival, com nada menos que oito integrantes, de diferentes nacionalidades: Eugene Hütz (vocalista e líder do grupo), Oren Kaplan (guitarra), Yuri Lemeshev (acordeão), Sergey Rjabtzev (rabeca), Tommy Gobena (baixo), Eliot Fergusen (bateria), Pam Racine e Elizabeth Sun (dançarinas/percussionistas). Apesar de existir há quinze anos, foi só nos últimos cinco anos que a banda conseguiu reconhecimento e sucesso; e com sua mistura de rock, punk, dub, música cigana e flamenca, show explosivos e teatrais, e letras surreais falando sobre imigrantes nos EUA, o Gogol Bordello promete ser uma atração à parte.

• The Gossip: é uma banda indie com influências marcantes de punk e rockabilly, liderada pela polêmica vocalista Beth Ditto (completam a banda o guitarrista Brace ‘Nathan’ Paine e o baterista Hannah Billie), famosa pela militância contra Bush e pró-casamento gay. Lançaram seu terceiro disco de estúdio, “Standing In The Way Of Control”, elogiado pela crítica, em 2005.

• Kanye West: entre 2001 e 2004, Kanye West passou de produtor de hip-hop a criador de hits no mundo todo. Já era produtor respeitado no meio, mas foi após produzir de forma brilhante o álbum “Blueprint”, de Jay-Z – que conseguiu o reconhecimento do público. Por três anos continuou apenas como produtor (incluindo, além de Jay-Z, obras de Ludacris e Alicia Keys) até lançar seu primeiro álbum, “The College Dropout”, que foi nomeado a nada menos que 10 Grammys (ganhando três) e levando Kanye ao estrelato mundial. Figura sempre presente na mídia (chegando a aparecer na capa da Rolling Stone vestido de Jesus Cristo), vem ao Brasil com a superprodução “Glow In The Dark”, turnê do seu álbum “Graduation”, de 2007.

• Klaxons: banda que até o momento lançou apenas um álbum (“Myths Of The Near Future”, 2007), mas que já conseguiu muitas críticas positivas e virou o novo xodó da conceituada revista NME. O trio (composto por Jamie Reynolds, James Righton e Simon Taylor) é extremamente influenciado por dance music e pelo movimento rave na Inglaterra do início dos anos 90 (o próprio Jamie Reynolds denomina o Klaxons uma banda de “nu-rave”).

• MGMT: antigamente chamada The Management, a dupla formada por Ben Goldwasser e Andrew van Wyngarden fica no meio do caminho entre o electro-punk art-noise do Suicide (especialmente no seu EP de estréia, “Time To Pretend”) e o pop psicodélico cerebral do Flaming Lips, como pode ser conferido no seu único album até o momento, o experimental “Oracular Spectacular”.

• The National: certamente, dentre as bandas indies confirmadas, é aquela mais próxima do rock tradicional. Ela é composta por Matt Berninger (vocais), e pelos pares de irmãos Bryce (guitarra) e Aaron Dessner (baixo) e Scott (guitarra) e Bryan Devendorf (bateria). Incorporando vários estilos em suas composições (como country alternativo e pop), o National chega ao Brasil na turnê do ambicioso “Boxer”, álbum lançado ano passado.

• Paul Weller: seu currículo é invejável – foi líder de ninguém menos que The Jam, a banda inglesa mais popular da era punk (barrando o Clash na época e influenciando bandas desde Smiths até Oasis), além da mais desconhecida Style Council (com fortes influências Motown, soul e jazz-pop). Em sua carreira solo voltou às raízes mais rock do Jam, retornando ao status de um dos mais importantes artistas na Inglaterra. A turnê que o traz ao Brasil é do seu novo álbum, “22 Dreams”, elogiadíssimo pela crítica no mundo todo (que o coloca no mesmo patamar do seu indiscutível melhor disco, o espetacular “Wild Wood”) e sucesso de vendas na Inglaterra e nos Estados Unidos. Para aqueles que (ainda) não o conhecem, uma boa introdução é a coletânea “Hit Parade”, que contém músicas tanto solo quanto com suas ex-bandas (como costumam ser também os seus shows).

• Sonny Rollins: um dos maiores gigantes da história do jazz, disputando com Coleman Hawkins, Lester Young e John Coltrane o título de melhor saxofonista tenor de todos os tempos. O nova-iorquino de 77 anos (fará 78 em setembro) chegou ao estrelato do jazz ao gravar em 1951 com Miles Davis e em 1953 com Thelonious Monk, e a partir de 1957 passou a ser líder de bandas de jazz, posto ocupado até hoje. Se “aposentou” duas vezes durante sua carreira, mas sempre voltando, e cada vez mais inovador (chegando a incluir elementos de pop e R&B em seus álbuns). Apesar de seus trabalhos nas últimas três décadas serem irregulares, Rollins continua um solista espetacular e seus shows, extraordinários, como comprova o ótimo “Without A Song: The 9/11 Concert”, álbum ao vivo de 2005.

• Stacey Kent: sem treinamento formal e com um diploma em literatura comparativa, nem ela esperava uma carreira musical – mas, depois que começou, durante uma viagem pela Europa, nunca mais voltou. Saiu de cantora do Hotel Ritz em Londres para um papel no filme “Richard III”, de Ian McKellen. Vem ao Brasil trazendo seu álbum mais elogiado desde sua estréia (com “Close Your Eyes”, de 1997), intitulado “Breakfast On The Morning Tram”.

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Sábado – dia 26 de Julho de 2008 – fui no Letras & Expressões, em Ipanema.

Arrastei o Lobato (guitarrista da minha banda) comigo. Disse que ia rolar um showzinho lá e ele topou ir.

Estávamos indo pra casa dele pra irmos juntos mas voltei no meio do caminho pra pegar um casaco, estava um vento gelado pacas.

Cheguei lá no prédio dele e partimos de metrô pro show da Liah.

O show tava marcado pras 21h e tínhamos acabado de descer na Praça General Osório (sim, estávamos atrasados).

Então entramos na livraria com o passo apertado e saímos subindo as escadas como se fôssemos nós que iríamos fazer o show.

A anfiriã nos levou até uma mesa no fundo do salão (que fazia tanto frio que mais parecia um frigorífico) num breu total onde só ela enxergava.

Acostumando-me com a escuridão, percibi a presença de duas pessoas no palco por trás de uma iluminação vermelha muito suave.

Um no trompete e o outro no baixo, um de cada lado do palco. Pensei: “Formação inusitada, trompete, baixo, violão e voz…”.

Os dois fizeram uma breve introdução instrumental e Liah entrou no palco. O trompetista deixou seu instrumento de lado e foi tocar cajón (instrumento de percussão).

Além do trompete e do cajón ele tocou durante a apresentação: teclado, bongô e zabumba com perfeição. Aquilo sim era multi-instrumentista!

Agora vamos ao que interessa: Fiquei impressionado com o show. Sério mesmo. O ar intimista, a qualidade das músicas, o carinho como foram concebidos os arranjos, o profissionalismo e a competência impecável dos músicos.

A troca com o público, enfim… Excelente.

Para evitar surpresas, procurei pelo seu trabalho na internet e sinceramente, não se compara com o show. Arrepiei. Sério mesmo. O show tinha uma carga emocional que não senti ouvindo os mp3′s.

Ah, tá… Legal mas parece com o que?

Odeio esse tipo de pergunta e odeio mais ainda ter que dar uma resposta…

Hhhmmm… Bem… A artista mais que tem um trabalho nessa linha que mais se aproxima do trabalho da Liah é a cantora e compositora escocesa KT Tunstall. Satisfeito(a)?

As letras focam-se ao redor de relacionamentos (A solidão, o novo alguém, o flerte, o início, os altos e baixos do dia-a-dia, as brigas de casal, o fim e a saudade), algo realmente muito pessoal e universal ao mesmo tempo.

Além de mostrar seu trabalho autoral, Liah fez verões de: “Blackbird”, dos Beatles e ficou linda;
“Take On Me” do A-HA, Nessa música Liah fez algo à la Damien Rice, tocou um pedaço da melodia e gravou num pedal de efeito, soltou em loop e tocou outro por cima, gravou de novo e soltou em loop por cima do que tinha gravado antes. Tinha uma panderola, a marcação do tempo (que ela fez batendo no corpo do violão), duas frases, uns dois violões e solfejos. Sensacional; tocou ainda “Desperdiçou”, da dupla Sandy e Junior. Tudo bem que ela deu um toque latino bastante interessante, mas… Nhé! Sandy e Júnior…

Teve também a participação de Sabrina Sanm (OutraCoisa) em duas músicas. Liah contou a público que tinha descoberto uma menina talentosíssima por intermédio de um amigo em comum (Jay Vaquer) e chamou a moça.

Depois de desviar das mesas no caminho, Sabrina subiu no palco acabou batendo com a cabeça na quina da caixa de som, na lateral do palco. Sabe aquelas pancadas que você até escuta a sonoplastia? Pois é, foi assim. Passado o momento vídeo cassetada do show, Sabrina foi super profissional e não perdeu a pose. Ambas cantaram “Dessa Vez” de Sanm e uma música da Liah.

Ao sair do palcou, foi uníssono o alerta da platéia: “Cuidado com a cabeça!”

Com ou sem pancada, o saldo foi mesmo muito positivo e muito mais que eu e meu colega esperávamos que fosse.

Liah volta a se apresentar no mês de Agosto no Letras & Expressões e eu recomendo.

Não deixe de conferir!

Internet

Site Oficial: liah.com.br
MySpace: myspace.com/liahoficial

Liah e Sabrina Sanm

“O Troco”

“Dessa Vez”

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• Liah

Ontem o grupo britânico Muse se apresentou pela primeira vez no Brasil. Os fãs (como essa que vos escreve) ‘quase’ lotaram a pista do Vivo Rio, para uma apresentação mágica, emocionante, de arrepiar até quem não conhece a banda a fundo.

Conhecida por levar aos palcos superproduções, a banda faz parte da lista dos 50 melhores shows de todos os tempos da revista britânica “Classic Rock Magazine”.
O setlist foi bem parecido com os dos shows anteriores na america latina. A abertura instrumental de “Dance Of The Knights” seguida de “Knights of Cydonia”, do último disco de estúdio, “Black Holes and Revelations”, foi extremamente emocionante (eu ja disse emocionante antes?), de causar arrepio mesmo!!

Ao som de ‘Feeling good’ a platéia jogava papel picado (previamente combinado na comunidade Muse Brasil, do orkut)
Matthew Bellamy, o vocalista, deixou a apresentação ainda mais intensa ao tocar piano em diversas ocasiões.

Sem mais, eis o setlist:

Intro – Dance Of The Knights
01 – Knights Of Cydonia
02 – Hysteria + The Groove*
03 – Dead Star
04 – Map Of The Problematique + Outro
05 – Supermassive Black Hole
06 – Butterflies And Hurricanes
07 – Sunburn
08 – Jazz Intro + Feeling Good (Com “Confetes” da Platéia)
09 – Osaka Jam
10 – Invincible**
11 – New Born + Riff 1 + Riff 2
12 – Starlight
13 – Bossa Nova Intro*** + Time Is Running Out
14 – Plug In Baby (Com Balões)

-bis-

15 – Stockholm Syndrome + Riff 1 + Riff 2 + Riff 3
16 – Take A Bow

Depois do Rio, o Muse segue para São Paulo, onde toca nesta quinta-feira (31), no HSBC Brasil, e Brasília, no sábado (2), no Festival Porão do Rock.

Vídeo

“Starlight”, no Rio de Janeiro

Internet

• Site Oficial: muse.mu
• MySpace: myspace.com/muse

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Fui assistir a Sabrina Sanm no Letras & Expressões, que fez uma participação bem legal na apresentação da cantora Liah.

Valeu a pena e vou tentar deixar os leitores sempre informados tanto das apresentações de uma como de outra. Os vídeos da participação de Sabrina Sanm no show da Liah estão lá embaixo.

Sempre super ocupada, a Sabrina foi bem bacana a nos conceder nova entrevista, complementando a que foi ao ar no dia 25 de Julho de 2008 pelas mãos de André Sigaud.

Davi: Oi, Sabrina! Você falou pro André sobre suas influências musicais. Mas quais são as influências negativas? Aquela(s) banda(s) e/ou artista(s) intragáveis, que você faz careta só de ouvir o nome?

Sanm: Resumindo, eu odeio tudo que é mal feito, desafinado, sem conteúdo, cópias baratas do que está “in” e o terrível funk do Rio de Janeiro. Mas se você quer mesmo que eu cite algum nome, posso citar o que mais me irrita ultimamente que é queridinha da mídia, a Menina-Melão; a.k.a. Mallu Magalhães.

Davi: O que você cantarolava pra ter chamado a atenção da professora? Tchaikovsky?

Sanm: hahaha…boa! Lógico que não, na época eu curtia cantar umas músicas gospel, então me lembro de estar cantando algo como “Joyfull Joyfull” ou “Oh happy Day”. Essas duas com certeza eram as que eu mais cantarolava.

Davi: Qual foi o melhor show que fez até hoje?

Sanm: Existem shows que são melhores para o público, melhores para a banda, mas o meu predileto até hoje foi um show que fiz em Volta Redonda. Foi a melhor e maior estrutura, eu lembro que estava bastante cheio, o palco era enorme, a luz estava linda e o público me recebeu super bem. Saí do palco com um sorrisão no rosto.

Davi: “Senhoras e senhores, gostaria de chamar aqui no palco uma grande amiga minha pra cantar a próxima música. Senhoras e senhores, com vocês: Sabrina Sanm!” Quem você gostaria que dissesse essa frase?

Sanm: Um dos meus artistas prediletos; Jay Vaquer já disse esta frase, o que me deixou bastante lisonjeada! Mas se fosse “Ladies and Gentlemen…” aí… acho gostaria que fosse a Sandra Nasic na época em que ela era vocalista do Guano Apes! Vejo que esqueci de mencioná-la anteriormente como uma das bandas prediletas, mas seria um sonho dividir o palco com eles.

Davi: Se tivesse que formar uma banda para um único show, qual seria a formação do seu Dream Team? Vale até os que já bateram as botas!

Sanm: Taylor Hawkins (Foo Fighters) na bateria, Stefan Ude (I.O., Guano Apes) no baixo, Chris Kilmore (Incubus) nos teclados / pic-ups, Nuno Bittencourt em uma guitarra e Renato Pagliacci na outra. Ah, e Tom Lord Alge no P.A.!! Sensacional!!

Davi: E a banda que te acompanha? É a mesma desde o início ou já rolaram variações na formação?

Sanm: Exceto pelo guitarrista que também é o co-autor de todas as músicas e produtor musical do trabalho, Renato Pagliacci, houve mudanças na formação, mas desde 2006 meu Baterista é o Diego Andrade e desde o final do ano passado meu baixista é o Davi Iceberg, ambos talentosíssimos e muito queridos.

Davi: Como você enxerga o mercado fonográfico atualmente? Ele ainda tem salvação ou a tendência é a extinção do modo como a música é comercializada hoje em dia?

Sanm: Eu enxergo com uma lupa! O formato de consumo da música mudou, agora basta esperar a indústria fonográfica se achar e começar a caminhar no mesmo ritmo. Quem viver verá!

Davi: E como está o cenário musical no Rio? As bandas e os espaços para shows?

Sanm: O cenário musical do Rio está dançando em ritmo de Funk e samba. As bandas que não dançam estes ritmos se espremem nos poucos espaços que ainda existem.

Davi: Conte-nos como foi a sua participação na trilha da série “9mm: São Paulo”.

Sanm: A produção da série entrou em contato dizendo que gostariam que duas músicas minhas entrassem na trilha. Achei muito legal e gostei da série também.

Davi: E o que você faz além da música?

Sanm: A música ocupa a maior parte do meu tempo. Quando não estou trabalhando gosto de assistir filmes, séries, ler e navegar na internet.

Davi: Quantas vezes já respondeu àquela pergunta sobre te compararem com a Pitty?

Sanm: “1 ou 2 vezes… não me perguntaram isto!!!” Hahaha Em 99% das entrevistas me fazem esta pergunta…

Davi: Já aconteceu algum imprevisto ou situação inusitada em algum show?

Sanm: Quantas páginas pode ter esta resposta? Sim, já aconteceram todos os tipos de imprevisto e situações inusitadas possíveis… uma das mais memoráveis foi num show em praça pública; enquanto eu cantava a música me empolguei e virei bruscamente para entrar no refrão… eis que nesse mesmo instante enquanto eu levo o braço para o lado e volto, o cabo do microfone se soltou e foi parar do outro lado do palco!Na música seguinte foi o cabo da guitarra que soltou do amplificador durante o solo… foi uma beleza, mas a gente fez cara de que estava tudo certo!

Para quem não teve a oportunidade de ver a Sabrina Sanm, vale a pena ir em cima das próximas oportunidades, que rolam na abertura do shows do The Muse no Rio (hoje!) e em São Paulo, que vai contar com a participação dela junto de Jay Vaquer no Vivo Rio e no HSBC Hall.

Liah e Sabrina Sanm

“O Troco”

“Dessa Vez”

Internet

Site Oficial: Sabrina Sanm
Pefil: MySpace
Perfil: Orkut 1, Orkut 2
Blog: MySpace Blog

Fotos

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Para concorrer basta responder a pergunta “Com quem você ouviria a trilha sonora do filme Juno?” no site da promoção.

A trilha é uma delícia de ser ouvida. O que há de melhor em termos de Folk e belíssimo, com especial atenção na música “Anyone Else but You”, com Ellen Page e Michael Cera.

Abaixo a lista de intérpretes e músicas do CD:

• Barry Louis Polisar: “All I Want Is You”
• Kimya Dawson: “Rollercoaster (Juno Film Version)”
• The Kinks: “A Well Respected Man”
• Buddy Holly: “Dearest”
• Mateo Messina: “Up the Spout”
• Kimya Dawson: “Tire Swing”
• Belle & Sebastian: “Piazza, New York Catcher”
• Kimya Dawson: “Loose Lips”
• Sonic Youth: “Superstar”
• Kimya Dawson: “Sleep (Instrumental)”
• Belle & Sebastian: “Expectations”
• Mott the Hoople: “All the Young Dudes”
• Kimya Dawson: “So Nice So Smart”
• Cat Power: “Sea of Love”
• Kimya Dawson and Antsy Pants: “Tree Hugger”
• Velvet Underground: “I’m Sticking With You”
• The Moldy Peaches: “Anyone Else But You”
• Antsy Pants: “Vampire”
• Ellen Page and Michael Cera: “Anyone Else but You”

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